Blues

Jimi Hendrix

ForoCoches: Miembro

05-mar-2004 14:10

Hoy buscando entre mis desordenados CDs me encontrado con una Enciclopedia, y he pensado:”Vamos haber que información relacionada con el Blues puedo encontrar aquí”
La verdad es que hay bastante, sobre de todo de Bluesmen, o artistas influenciados o relacionados con el Blues,de todas formas la información sobre muchos de ellos es breve por lo que os agradeceria que pusieseis más cosas...

Estilo musical originario de Estados Unidos de América. Forma musical del folclore de los negros de este país, tiene su origen en los cantos que acompañaban los trabajos de los esclavos en las plantaciones: los worksongs o canciones de trabajo. La influencia de la música africana es casi indiscutible en este tipo de música y en toda la música norteamericana en general, sobre todo en las zonas en que los negros de allí originarios no tuvieron contacto con los blancos. Pero el origen del blues hay que situarlo en un término medio: los ritmos de África se mezclaron con los sones de los blancos, y se adaptaron a la situación (la esclavitud) aportando nuevos temas y melodías. Con la abolición de la esclavitud, este tipo de música fue influyendo en las baladas sudistas y se extendió a los blancos.

Este género tiene como característica formal su clásica estructura de estrofas de doce compases, organizados sobre tres acordes: tónico, subtónico y dominante. Basado en la conjunción del sistema pentatónico de notas -propio de las culturas africanas- y el sistema tonal europeo de siete notas, el Blues se generalizó como el género musical de la población negra en el sur de los Estados Unidos, desarrollándose a lo largo del siglo XIX, gracias a infinidad de anónimos autores e intérpretes quienes, con la guitarra, la armónica o el piano, tenían la oportunidad de expresar sus sentimientos y las circunstancias de su entorno.

En su contenido, el blues se distingue por ser un tipo de melodía generalmente triste (blue en inglés, además de significar azul tiene otra acepción que es, precisamente, triste), de los esclavos que cantan su dolor atrapados en una mundo sin libertad. El blues y el jazz están muy ligados: según B. B. King (guitarrista de blues y jazz), el blues es como el hermano menor del jazz; dicho de otra forma, el blues es como el colegio, mientras que el jazz es el instituto. Una variación del blues, precisamente el resultado de su unión con el jazz, es el Rhythm and Blues, heredero de ambas corrientes pero con un ritmo mucho más marcado.

El Blues rural (en el que destaca la transcendental aportación del bluesman Leadbelly) da paso a otras formas más evolucionadas conforme crece la emigración de las gentes de color hacia las ciudades industrializadas del norte del país. De aquellos primeros clásicos, sin duda cabe destacar a Blind Lemon Jefferson, espejo que fue para generaciones posteriores de bluesmen. A partir de finales de los años treinta, ciudades como Chicago comienzan a ser, con las habituales (Memphis, Nueva Orleans, Houston, St. Louis, etc.), el polo de atracción de nuevas figuras. Surge así el llamado Blues de Chicago, en el que la electrificación de los instrumentos es una de las características técnicas del periodo.

Su popularización dio pasó al Rhythm & Blues, con representantes de la talla de Elmore James, Bo Diddley y Muddy Waters. Otra figuras legendarias del Blues son John Lee Hooker, B.B. King, el reverendo Gary Davis, Memphis Slim, Big Bill Broonzy, Clarence Gatemouth Brown, T-Bone Walker, Sony Terry, Big Joe Williams, Burka White o Blind Boy Fuller. A mediados de los años sesenta, el R&B adquiere gran fuerza en el Reino Unido, con músicos como Alexis Korner, John Mayall, Eric Clapton o The Rolling Stones. En la actualidad, aquella música nacida de los ghettos negros se ha convertido en un género practicado con éxito también por músicos blancos como los ya citados u otros como Johnny Winter o Gary Moore.

Waters, Muddy (1915-1983)

Figura capital del blues, tanto por su propia obra como por la influencia ejercida en las bandas de rock británicas (Rolling Stones, Animals, Yardbirds...) que, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, comenzaron a recoger en su música el blues del sur de los Estados Unidos. McKinley Morganfield -cuyo sobrenombre, Muddy Waters, le viene del apodo "muddy" (fangoso) que le puso su abuela por su afición a meterse en los charcos, y jugar con el barro cuando era niño y "waters" porque su primer trabajo en el campo consistía en acarrear cubos de agua para dar de beber al ganado- nació en abril de 1915 en una granja cercana a Rolling Fork, estado de Mississippi. Tras seguir la trayectoria habitual de los artistas noveles, recorriendo locales y pequeños escenarios, a mitad de la década de los cuarenta comienza a ser habitual como músico de sesión de importantes representantes del blues del momento. En 1948 edita su primer single, I Can't Be Satisfied, con el suficiente éxito como para permitirle seguir grabando y convertirse en los años cincuenta en uno de los mejores del género, de la mano de temas como Rollin' Stone (1950), Louisiana Blues (1951), She Moves Me (1952) o Mannish Boy (1955).
Admirado a ambos lados del Atlántico, su presencia es habitual en los principales festivales de la época, como el de Newport, gracias a su paulatino acercamiento al folk, demostrando las proximidades existentes en el origen de las diversas músicas tradicionales. Un accidente en 1973 le aparta durante cuatro años de los escenarios, volviendo en 1977 con la fuerza de álbumes como Hard Again (1977) y I'm Ready (1977). Antes, en plena convalecencia, intervino, en 1976, en el concierto de despedida de The Band -el grupo que habitualmente acompañaba a Bob Dylan en sus grabaciones-, concierto recogido por Martin Scorsese en el film The Last Waltz (1978). Tras la obtención de premios Grammy, fruto del trabajo conjunto con Johnny Winter, continúa su actividad hasta poco antes de su fallecimiento en Chicago, en abril de 1983.

Johnson, Robert (1911-1938)

& Cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense, nacido el 8 de mayo de 1911 cerca de la localidad de Hazelhurst, Mississippi, y muerto el 16 de agosto de 1938 cerca de Greenwood, Mississippi, cuya increíble voz en falsete y maestría en la guitarra influyó decisivamente en los músicos de blues y rock, tanto contemporáneos como posteriores. Su madre, Julia Major Dodds, estaba separada de su marido, Robert Dodds, con quien había tenido diez hijos. El padre de Robert fue Noah Johnson, un trabajador de las plantaciones. No se sabe cómo aprendió música Robert, pero con veinte años ya le consideraban sus contemporáneos un carismático maestro.

Poco se sabe de la vida del legendario cantante del Delta del Mississippi. El misterio sobre su vida y su arte está más o menos definido por algunos acontecimientos concretos, como su nacimiento, ocurrido en 1911, el descubrimiento de sus increíbles habilidades musicales alrededor de 1931, dos sesiones de grabaciones realizadas por Johnson en 1936 y 1937, y su muerte, acaecida en 1938. Durante el resurgimiento del género blues a mediados de los años sesenta, Johnson se dio a conocer a través de sus discos como uno de los maestros más influyentes del blues del Delta. Cuando se reeditó el primer álbum con sus grabaciones en 1961, se sabía poco sobre su persona. Por la época en que la Columbia Records reeditó Robert Johnson: The Complete Recordings en 1990 ya se había averiguado algo más, pero el misterio perdura.

Como cantante de blues itinerante, viajó por el sur, llegó hasta Detroit y Chicago, al noreste de los Estados Unidos, tocando en pequeños clubes y en reuniones informales. Desaparecido para la música en 1930, regresó tocando la guitarra con una destreza musical inusitada. En dos sesiones musicales en noviembre de 1936 y junio de 1937 grabó varias canciones, entre ellas Terraplane Blues, I Believe I'll Dust My Broom, Kind Hearted Woman o Sweet Home Chicago, para la American Record Company (ARC).

La voz de Johnson era aguda y a veces fantasmagórica. Combinaba las líneas rítmicas del bajo con frases melódicas de una manera virtuosa, nunca escuchada hasta entonces. Influyó notablemente en el blues de Chicago y en el rock de los sesenta. Mucho tiempo después de su muerte, figuras importantes de blues volvieron a grabar sus canciones, entre ellas Muddy Waters, Elmore James, Eric Clapton y los Rolling Stones. En 1990 se editó un doble álbum con todas sus grabaciones, que se convirtió en un éxito insospechado.

Al igual que otros cantantes de blues, Johnson viajó de ciudad en ciudad tocando por las calles, garitos y fiestas. Entre 1936 y 1937 grabó veintinueve canciones en Texas. Johnson se casó dos veces; las causas de su muerte son confusas, y se mezclan las versiones, aunque la más factible es la historia de que murió envenenado por un marido celoso; está enterrado en una tumba sin nombre de la Iglesia Mt. Zion, situada cerca de Morgan City, Mississippi, aunque otras fuentes indican que lo enterraron en la iglesia baptista Payne Chapel Memorial, cerca de Quito, localidad del mismo estado.

Como muchos otros músicos de blues del Delta, Robert Johnson formaba parte inherente de una tradición oral que comenzaba por mezclar melodías de violín, cánticos, música religiosa y canciones de campesinos, que terminarían desarrollando el blues. Fue en el delta donde apareció el primero de los locales en los que el blues se originó y desarrolló. Johnson está reconocido por la crítica como la culminación de la tradición del blues del delta, paradigma de los artistas de blues como Son House, Skip James, Charley Patton y otros. Como característica comúnmente extendida, los cantantes de blues del delta suelen acompañarse tocando la guitarra acústica, a menudo utilizando el cuello de una botella o algo similar para dar un efecto determinado a su instrumento al frotar las cuerdas, lo que le da un sonido peculiar.

La siguiente generación de músicos que creció en el delta se fue en su mayoría hacia el norte para cantar blues en Chicago. Dos de los cantantes de blues más eminentes de Chicago son Muddy Waters y Howlin' Wolf, ambos originarios del delta, que conocieron a Robert Johnson y se vieron fuertemente influidos por su música.

El descubrimiento de Johnson y su arte musical se ha recogido ampliamente en recopilaciones de músicos y de quienes lo rodearon. Dos de las mejores fuentes de información han sido el también legendario cantante del delta Son House, posterior a Johnson, y Johnny Shines, contemporáneo que llegó a conocer a Johnson en 1935 e incluso viajó con él durante una temporada.

A lo largo de su carrera y fama póstuma, las grabaciones discográficas han jugado un papel importante en la influencia que el arte de Johnson ha tenido sobre otros músicos. El mismo Johnson estuvo probablemente influido por los primeros artistas de blues como Skip James. Parte del estilo de James, tan peculiar y único, aparece en algunas grabaciones de Johnson, entre las que destaca 32-20 Blues, que es una adaptación de Johnson del 22-20 Blues de James.

Johnson empezó a llamar la atención de los músicos modernos en la generación de rock de la década de 1960, con la edición de King of the Delta Blues Singers, álbum aparecido en 1961. Gracias a un revival del blues en el país en aquellos años, los músicos mayores que habían cantado de jóvenes en la década de los años treinta comenzaron a disfrutar de una segunda carrera y se renovó su popularidad entre las nuevas audiencias jóvenes. El disco de Johnson contenía una selección de sus grabaciones de 1936 y 1937, algunas de ellas inéditas. El álbum revelaba el tremendo talento de Johnson como cantante y guitarrista, así como una increíble capacidad para escribir magníficas letras. Era un desafío para los jóvenes músicos rockeros y mostraba lo que era realmente el blues. Este disco tuvo tanto éxito que se editó de nuevo en 1969 y en 1970.

Muchas de las composiciones de Johnson se han convertido en prototipo de blues de los años sesenta gracias a artistas de blues de Chicago como Waters y Elmore James. En 1951 Elmore James grabó un tema de Johnson llamado Dust My Broom, haciendo de él un éxito nacional. Otro tema compuesto por Johnson, Sweet Home Chicago, ha sido tocado y grabado por incontables músicos de blues de Chicago. Como músico itinerante, que cruzó de arriba abajo la región del delta incontables veces, Johnson tuvo amplias oportunidades para refinar sus letras; además, éstas le abrían la posibilidad de juzgar su popularidad a través de las reacciones de su audiencias. Un músico viajero como él tenía, además, la oportunidad de tocar en gran variedad de lugares, desde reuniones multitudinarias de sábado en grandes locales a pequeños picnics al aire libre.

Estas condiciones especiales le facilitaron unas determinadas habilidades interpretativas que se tradujeron también en el refinamiento de sus letras y canciones. Fue en cambio la disciplina de las grabaciones de tres minutos la que le llevó a darles un giro más comercial. Creaba canciones con conciencia artística: sus temas favoritos eran la mujer, la bebida, los viajes y el diablo. Sus letras contenían metáforas recurrentes y vívidas personificaciones. En lugar de intercalar versos flotantes que se repitieran, como hacían otros cantantes de blues del delta, Johnson hacía de cada canción una afirmación con temas intencionadamente desarrollados.

Grabó un total de 29 canciones para la American Record Company. Sus grabaciones completas abarcan, además de estas 29 grabaciones, más 12 takes o retazos sueltos, rescatados de dos sesiones que grabó en la ARC, en San Antonio y Dallas. Johnson comenzó a grabar haciendo audiciones. H. C. Speir, cazatalentos de la ARC que tenía una tienda de música en Jackson, Mississippi, había estado buscando talentos durante siete años y era responsable de hallazgos como los artistas de blues Skip James, Patton, House y Tommy Johnson. Speir envió a Johnson a otro cazatalentos de la ARC, Ernie Oertle, que le ofreció grabar en San Antonio en noviembre de 1936.

En agosto de 1938 Johnson y Honeyboy Edwards tocaron en una fiesta en una casa particular de Three Forks, cerca de Greenwood, Mississippi. El dueño de la casa dio a Johnson un whisky envenenado. Murió tres días después. Antes de morir, parece que se puso a gritar, a ladrar y moverse como un animal enloquecido bajo los efectos del veneno.

Otro mito levantado alrededor de Johnson dice que vendió su alma al diablo para alcanzar su gran maestría tocando la guitarra. El mito creció como respuesta a la falta total de información sobre cómo Johnson había aprendido a tocar la guitarra. Desde que era un adolescente, había tenido reputación entre los músicos mayores como House y Willie Brown, de ser una peste que podía coger cualquier instrumento y tocarlo. Parece que huyó en 1930 durante unos meses. Según unas fuentes, porque su padre quiso que trabajara con él en los campos, y según otras, más fiables, porque murió su primera mujer. Cuando regresó tenía su primera guitarra propia. Las investigaciones realizadas descubrieron que ésta era una guitarra Gibson Kalamazoo. Johnson demostró tal habilidad con la guitarra a su regreso que parecía realmente que hubiera vendido su alma al diablo para tocar así.

Su enorme talento musical le valió el sobrenombre de King of the Delta Blues Singers ('Rey de los Cantantes de Blues del delta').

King of the Delta Blues Singers, Columbia, 1961.
King of the Delta Blues Singers: Volume 2, Columbia, 1970.
Robert Johnson: The Complete Recordings, Columbia, 1990.

Diddley, Bo (1928- )

& Bo Diddley, una de las más grandes leyendas vivas del R&B, nace como Elias Bates en McComb, Mississippi, el 30 de diciembre de 1928. Adoptado por una prima de su madre, vive en Chicago desde los cinco años, aprendiendo a tocar la guitarra en las calles de la ciudad. Ya en el año 1951, acompañado de Billy Boy Arnold a la armónica, era un habitual del circuito de clubes en el South-side de Chicago y, en 1955, graba su primer sencillo. El single llevaba los temas Bo Diddley y I Am The Man. Su manera de tocar fue pionera y renovadora, experimentando con nuevos sonidos y, aunque en los cincuenta sus trabajos pasaron un tanto desapercibidos por la aparición de estrellas como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis o Chuck Berry, sus composiciones fueron básicas para grupos británicos de la década siguiente como The Animals, The Who, o los Rolling Stones, que inspiraron gran parte de su música en el R&B de artistas como Diddley o Muddy Waters.
De esta época, cabe destacar sus álbumes Go Bo Diddley, de 1959, y Have Guitar Will Travel, de 1960, e incluso en los setenta sigue grabando con cierta asiduidad. Acaba la década de los sesenta tocando en el Toronto Rock'N'Roll Revival Festival, junto a John Lennon, Jerry Lee Lewis y Chuck Berry. Ha tocado con numerosos e improvisados compañeros y sus actuaciones son muy apreciadas. Prueba de sus colaboraciones son: Super Blues, grabado con Muddy Waters, The Super Blues Band, con el anterior y Howlin' Wolf, Two Great Guitars, con Chuck Berry o el más reciente Live At The Ritz, grabado en 1987 con Ron Wood. A pesar de no llevar una actividad frenética, todavía actúa en directo con regularidad, gran mérito para un veterano músico que cuenta con casi setenta años.

Ledbetter, Huddie (1889-1949)

& Cantante y guitarrista estadounidense más conocido como Leadbelly. Nace en Louisiana (Estados Unidos), en el año 1889, y fue a lo largo de su vida una figura de gran influencia en infinidad de músicos de estilos como el folk, el blues o el country & western. Su voz y su guitarra de doce cuerdas son piezas clave de la historia musical de nuestro siglo. Durante su infancia en Texas aprendió a tocar la harmónica y la guitarra con un tío suyo a la vez que trabajaba como bracero para ganarse la vida. Su existencia fue violenta y dura, porque a la vez que ganaba reputación como músico se empezó a convertir en un conocido criminal en el sur de los Estados Unidos.

Leadbelly pasó una buena parte de su vida entre rejas; en 1918 fue encarcelado por primera vez en Alabama (algunas fuentes sitúan este hecho en Texas), con una condena de siete años por homicidio. La historia se repite en el año 1930, y por el mismo motivo, en el estado de Louisiana, donde estuvo en prisión por espacio de cuatro años. Más tarde ingresó de nuevo durante dos años por asalto (1939 y 1940). Pero a principios de los cuarenta fue descubierto por casualidad por John y Alan Lomax, padre e hijo que recorrían el país grabando música indígena, y este hecho le convirtió en uno de los más populares intérpretes folk de aquella época. Impresionados por la calidad artística del recluso (lo conocen cuando estaba en prisión), abogan por la libertad de Leadbelly y recogen multitud de grabaciones para la Library Of Congress, archivo del Gobierno estadounidense. Se calcula que grabó más de doscientas piezas hasta el año 1942.

En el año 1937, Leadbelly se traslada a New York, de donde ya no se movería con excepción de un período en Hollywood entre los años 1944 y 1947. Actuaba con frecuencia en los clubes, acompañado de gente como Woody Guthrie, y grabó temas para sellos como RCA Victor o Capitol Records. Sus más conocidas canciones, por citar algunas, llevan por título Goodnight Irene, Black Betty, Cotton Fields, Rock Island Line o Midnight Special, y a lo largo de la historia han sido cantadas por gente como Bob Dylan, Frank Sinatra, Lonnie Donegan o The Weavers. En el año 1949, y tras una visita a Francia, fallece a causa de una esclerosis en New York.

Jefferson, Blind Lemon (1897-1929)

& Bluesman estadounidense nacido en Texas en el año 1897, extraordinariamente influyente en todos los bluesmen del siglo XX; le hicieron famoso su manera de cantar y su peculiar estilo de tocar la guitarra, con extraordinarios solos que son ya clásicos en la historia del blues, todo ello unido al hecho de que es invidente de nacimiento. Pero su existencia fue realmente casi un calvario, especialmente cuando empezó a ganarse la vida como cantante ciego callejero en el este de Texas, para mudarse al campo en el año 1919 o 1920.

Sus primeras grabaciones datan del año 1926, cuando firma un contrato con Paramount Records y edita en Chicago temas como Got The Blues, Long Lonesome Blues, Match Box Blues, See That My Grave´s Kept Clean (estos dos últimos en el año 1927). Sin embargo, esta época fue breve, puesto que las últimas sesiones grabadas por este excepcional músico datan del año 1929. Es en ese año cuando fallece, con sólo treinta y dos años de edad, de manera similar a como había vivido: en las calles de Chicago, supuestamente de un ataque al corazón, expuesto a los elementos como un animal. Pero su espíritu ha seguido vivo a través de los años, y ha dejado su impronta en gente como Leadbelly, Lightnin´ Hopkins, Albert King, B.B. King o John Lee Hooker, los cuales han reconocido su tremenda influencia.

T-Bone Walker (1910-1975)

& Cantante y guitarrista norteamericano, nacido en Texas en 1910 con el verdadero nombre de Aaron Thibeaux Walker. Fue, sin duda, uno de los bluesmen más influyentes dentro de la historia de este estilo. Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta, y comenzó a actuar en su adolescencia. Buena parte de ella la pasó en un show ambulante, hasta que en 1929 grabó un single para Columbia como Oak Cliff T-Bone.

Durante los años treinta tocó en bandas de jazz, hasta que a mediados de la década se trasladó a la costa oeste, donde fue uno de los primeros guitarristas en utilizar amplificación eléctrica. A finales de los treinta actuó y grabó con la Cotton Club Orchestra, hasta que en 1942 grabó por fin en solitario el primer disco con su estilo característico, I Got A Break, Baby. Acompañado de un trío, grabó una serie de temas hasta el año 1947 que contribuyeron a que creciera su reputación a nivel nacional. Entre estos temas merecen destacarse “Call It Stormy Monday” o “T-Bone Shuffle”. Poco más tarde comenzó a tocar con bandas que incluían instrumentos de viento, algo innovador para aquella época, puesto que el sonido blues más generalizado era el de guitarra y armónica.

Hasta los primeros años de la década de los cincuenta, fue una de las mayores atracciones del circuito de blues, pero en el año 1955, tras ser operado de úlcera, su actividad decrecerá en gran medida. A partir de entonces, tras haber fichado por Atlantic Records, tardó cuatro años en completar un nuevo álbum, T-Bone Blues, que vio la luz en 1960, y durante esa década actuó con moderación por todo el país e incluso por Europa. A finales de los sesenta grabó Stormy Monday Blues y Funky Town, y entró en los setenta con la edición de Good Feelin´, grabado en Francia con Manu Dibango a los teclados. Por este último disco recibió un premio Grammy, y siguió actuando hasta 1974, año en el que deja de trabajar definitivamente por problemas de salud. Falleció en Los Angeles en el año 1975.

Chatman, Peter (1915-1988)

& Músico de blues nacido en Tennesse en 1915, más conocido como Memphis Slim. Leyenda del blues, autodidacta, aprende a tocar el piano y se gana la vida como pianista itinerante antes de establecerse en el circuito de los clubes de Chicago hacia el año 1937. Es allí cuando comienza a tocar con gente como Big Bill Broonzy, y cuando empieza también a grabar para los sellos Okeh y Bluebird, con temas como Beer Drinking Woman.

Después de la guerra sigue grabando prolíficamente, respaldado por una pequeña banda, para otros sellos como Miracle o King, y posteriormente para Mercury Records. Mother Earth o Grinder Man Blues son temas de ese período, y The Real Boogie Woogie y At The Gate Of The Horn, dos LPs clásicos, se editan en el año 1959. Más tarde viaja a Europa, donde graba en Inglaterra junto a Alexis Corner; poco más tarde se establece en Francia, donde residiría hasta el final de sus días. Allí graba unos cuantos álbumes para Barclay, a la vez que vuelve de tarde en tarde a los Estados Unidos, sobre todo para actuar en festivales como los American Folk Blues Festivals.

En el año 1986 sufre un fallo hepático, del que se recupera para volver a una gira que le tenía que llevar por medio mundo; pero debido a las secuelas de esa enfermedad, una recaída desemboca en su fallecimiento en París en el año 1988.

Burnett, Chester Arthur (1910-1976)

& Legendario bluesman, más conocido como Howlin Wolf, nacido en los Estados Unidos en el año 1910. Trabajador incansable, antes de dedicarse por completo a la música ejerció como granjero, a la vez que tocaba por el área del Mississippi como cantante y guitarrista durante los años veinte. En el año 1948 decide cambiar su vida y forma una banda de blues eléctrico, The House Rockers, con quienes actúa en directo a través de una emisora de radio, ya conocido como Howlin Wolf. 1951 y 1952 son años de pleitos legales, debido a que dos sellos se disputaban la propiedad del artista y sus grabaciones. Durante el curso de esos años, Sam Phillips, el dueño de los estudios Sun, grabó cinco sesiones con el bluesman, pero estos dos años no contribuyen nada a la carrera de Howlin Wolf comercialmente hablando. En 1953, se traslada a Chicago e inicia una nueva relación con Chess Records, uno de los dos sellos anteriormente mencionados, lo que supone el comienzo de una larga etapa de grabaciones en dicha discográfica. En compañía de una banda fija de músicos, graba por aquel entonces una larga lista de clásicos, como Smokestack Lightnin´, Sitting On Top Of The World o I Ain´t Supertitious. En el año 1961 desembarca por primera vez en el Reino Unido y edita su primer sencillo allí, Little Baby, a la vez que toca en directo por todo el país. Smokestack Lightnin´ es su única entrada en las listas inglesas, en las que ocupa el número cuarenta y dos en 1964. A pesar de ello, en la nueva ola de grupos rythm & blues británicos de los sesenta hubo muchos que tocaron las canciones de Howlin Wolf, entre ellos The Yardbirds, Cream, The Rolling Stones o Jeff Beck, lo que hizo evidente la gran influencia del músico sobre las generaciones posteriores.

Por estos tiempos, Howlin Wolf se dedica a colaborar con otros grandes artistas cuando es requerido para ello. Entre estas colaboraciones destacan Folk Festival Of Blues, editado en el año 1964, que recogía un directo junto a Otis Spann (pianista de su antigua banda de los años cincuenta), Buddy Guy y Muddy Waters; The Super Blues Band, editado en el año 1967 en colaboración con otros dos "monstruos", Bo Diddley y Muddy Waters; o el legendario disco The London Howlin´ Wolf Sessions, lanzado en el año 1971 y grabado junto a Steve Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman, Ringo Starr y Eric Clapton. Todo un lujo.

Con su actividad pública muy limitada, en el año 1973 se le acumulan las desgracias: tras sufrir un par de ataques cardíacos, tiene un accidente de automóvil del que sale con el hígado dañado. Aún tiene fuerzas para editar The Back Door Wolf antes de que acabe el año, y para seguir tocando en directo cuando su delicada salud se lo permite. Una de las últimas veces que se pudo oír su voz en directo fue en el año 1975, en un concierto en Chicago junto a B.B. King. Un año después, en 1976, falleció en dicha ciudad tras una intervención cerebral.

Hooker, John Lee (1917- )

& Músico de Blues, considerado una auténtica leyenda viva, nacido en agosto de 1917 en Clarkdale, Mississippi, que ha colaborado con su obra en el desarrollo y evolución de un género que, como tal, hunde sus raíces en la segunda mitad del siglo pasado, partiendo de una mutación de ritmos afroamericano, siendo fundamental la presencia de Hooker en el crecimiento del Blues eléctrico de posguerra.

Su infancia transcurre en el seno de una familia de braceros, donde aprende a tocar la guitarra bajo la tutela de su padre, Will Moore, que tenía gran amistad con bluesmen de la zona. Unas de las influencias más tempranas del joven Hooker fue el legendario Blind Lemon Jefferson, y pronto huye de casa para ir a parar a Memphis y más tarde a Cincinnati. En aquella época se integra en algunos grupos de Gospel, antes de dedicarse por completo al Blues, pero tardaría bastante en grabar.

Hay que remontarse al año 1948 para hallar sus primeras grabaciones, que registró bajo seudónimos como Texas Slim, John Lee Booker o Delta John, en temas como Boogie Children, Hobo Blues o I'm In The Mood. Además de conseguir vender infinidad de copias, la mayoría de aquellas canciones acabarían pronto convertidas en standards del Blues, interpretadas por otras voces una y otra vez. Hasta 1948, Hooker trabajaba de día, siendo su última ocupación la de operario en una fábrica de automóviles. La situación no cambiaría mucho hasta 1955, año en el que cambia de compañía discográfica, fichando por Vee-Jay Records. Boom Boom, de 1962, es su primer éxito Pop, pero el renacimiento del Blues en los años sesenta lleva a Hooker a unas cotas de popularidad insospechadas, siendo referencia fundamental para esa generación de nuevos bluesmen. En Gran Bretaña, los integrantes de los principales grupos de Rock del momento (The Animals, The Rolling Stones, Them ...) idolatran sus viejas grabaciones, que les sirven de constante fuente de inspiración para sus propios temas.

Sus giras europeas se suceden desde entonces, habiendo colaborado con gente como Muddy Waters, Canned Heat o Van Morrison, a través de los setenta y los ochenta, con álbumes memorables como Coast To Coast, de 1971, Blues Before Sunrise, de 1976, o el famoso The Healer, de 1989, que le supone una nueva vuelta a la fama internacional, con colaboraciones de Carlos Santana, Canned Heat, Los Lobos, Robert Cray, etc. Get Back Home, de 1992 es uno de sus últimos trabajos, siendo envidiable su actividad pese a su avanzada edad, actuando todavía con frecuencia.

Vaughan, Stevie Ray (1953-1990)

& Cantante de blues norteamericano, nacido en Tejas en 1953, y fallecido en 1990 en accidente de helicóptero. Era considerado del mejor bluesman blanco junto a Johnny Winter. Hermano del también guitarrista Jimmie Vaughan (integrante de The Fabulous Thunderbirds), lideró en 1981 la banda Double Trouble, con quienes grabó el álbum The sky is crying, editado en 1991 por Sony, tras su fallecimiento.
Junto a su grupo, fichó por CBS y de la mano de John Hammond, editaron el álbum de debut Texas flood, con magníficas críticas. Reclamado por David Bowie para la grabación del tema "Let's dance", crece en prestigio y sus posteriores trabajos mantuvieron su calidad. Álbumes como Couldn't stand the weather, de 1984 o el magnífico In step de 1989 supusieron el reconocimiento general y los auspicios de una inmejorable carrera dentro del blues, truncada por el fatal accidente en agosto de 1990.

Clapton, Eric (1945- )

& Nació en Surrey (Gran Bretaña) el 30 de marzo de 1945. Eric Clapton es uno de los mejores guitarras en la historia del Rock, considerado como el maestro blanco en el Blues, género dominado mayoritariamente por solistas de color. Aprendió a tocar Blues cuando se hallaba en la Escuela de Artes y, en 1963, comienza su actividad en grupos como The Roosters primero, y Casey Jones' Engineers después, antes de entrar a formar parte de los Yardbirds. En este mítico grupo, y en sólo un par de años, Clapton adquiere una sólida reputación como solista. Cuando abandona el grupo en 1965, se integra en los Bluesbreakers de John Mayall, matizando su estilo de tintes puristas, acercándose al clásico estilo del Blues de Chicago.

En 1966 se une a Jack Bruce y Ginger Baker para formar Cream, grupo que en un par de años de existencia, intensa y exitosa, deja una huella indeleble en el panorama de la música de la época. Cream, pese a su vida efímera, influirá en formaciones posteriores, como auténtico prototipo de lo que iba a ser la música de los setenta. Jack Bruce (escocés nacido en 1943) y Ginger Baker (Londres, 1939), tocaban juntos en el grupo de Alexis Korner allá por 1962, después estuvieron con Graham Bond. Bruce ya había estado presente con Clapton en el grupo de John Mayall. Poco antes de formar Cream, Bruce había conseguido un número uno, tocando con Manfred Mann. Como se puede observar, todos ellos eran auténticos mercenarios de la música. El grupo en sí, se forma a mediados del año 1966, contando con un single, Wrapping Papers, que les supone su primer éxito en Inglaterra, facilitando la frecuencias de sus actuaciones en directo. En sus conciertos el sonido se hacía más duro, con los constantes devaneos de Clapton con la guitarra. A mediados del año 1967, actúan por Estados Unidos, y en 1968 ve la luz Wheels Of Fire, doble álbum en directo, en el cual se pueden apreciar los prolongados solos de Clapton o de Baker, hasta el punto de encontrar temas de quince y diecisiete minutos, duración poco frecuente hasta entonces en discos de Rock. Al poco tiempo, la unidad del grupo sucumbe, debido a la presión que representaba el enorme éxito que habían conseguido en tan corto periodo de tiempo. Después de la gira americana, se despiden en un histórico concierto en el Royal Albert Hall de Londres, y aunque los músicos habían acabado con el grupo, la compañía de discos, no. Todavía editarían tres álbumes más, dos de ellos en directo, y uno mezcla de grabaciones en directo y material de estudio aparcado en ediciones anteriores.

La siguiente aventura de Mano Lenta Clapton es la también efímera de Blind Faith, formación en la que le acompañaban Baker, Steve Winwood y Ric Grech. Una vez acabada su presencia en estas bandas, Clapton, con status de superestrella, se dedica a participar como invitado en grabaciones de otras figuras consolidadas (George Harrison o Plastic Ono Band), antes de integrarse, también por corto espacio de tiempo -un año, 1970- en la banda de Delaney y Bonnie Bramlett, de la cual salió parte de la primera banda que acompañó a Clapton como solista. También en aquella época se crea Derek & The Dominoes, que sólo duró un álbum, con Clapton al frente. Su gran éxito, Layla (dedicada a la por entonces esposa del ex-Beatle George Harrison, luego esposa del propio Clapton), es quizás la mejor y más conocida canción de Eric, que ha entrado en las listas multitud de ocasiones, aunque Bobby y Carl denunciaron a Clapton más tarde por impago de royalties.

El comienzo de los setenta marca un período de inactividad en la vida del músico, que luchaba contra la adicción a la heroína, manteniéndole fuera de circulación tres años. Reaparece en 1973, en el Rainbow's Theatre de Londres, con invitados como Pete Townshend de los Who o Ron Wood, de los Faces y más tarde en Rolling Stones. Esta actuación se editaría en disco, marcando el inicio de una nueva época para Clapton que, hasta 1985 dará como fruto una decena de álbumes.

Poco a poco, su estilo cambia, aunque continua inspirándose en el Blues, abandona el clasicismo de antaño. Prueba de ello es su primer single de éxito tras su regreso, editado en 1974, I Shoot The Sheriff, una versión de un tema de Bob Marley. Lay Down Sally fue otro de estos temas de gran impacto, editado en 1977. En 1983 ficha por Warners y edita Money And Cigarrettes, y en una gira poco más tarde, Phil Collins se integra en su banda. Por estas fechas, Clapton ya es toda una leyenda. En su haber cuenta con material compuesto para bandas sonoras, como las de Arma Letal, Homeboy, o más recientemente Rush (1992). En 1988 se edita un recopilatorio con el título de Crossroads, con setenta y tres canciones que ilustran la vida y milagros de Mano Lenta. En los noventa, se aparta temporalmente de la actividad pública debido a la muerte accidental de Conor, su hijo. Entrada la nueva década edita su álbum Unplugged, en 1992, con similar fortuna a su anterior lanzamiento. Desde entonces sus trabajos y actuaciones giran la vista hacía el Blues de siempre, la pasión que marcó sus orígenes, como queda patente en sus más recientes apariciones tanto discográficas como en directo.

"Mano Lenta" vuelve a la palestra en el año 1994 con el álbum From The Cradle, otro gran éxito para el guitarrista británico, al que siguieron dos ediciones de directos en los años 1995 y 1996. Dichos discos llevaban por título Eric Clapton´s Rainbow Concert y Crossroads 2: Live in the 70´s, y hasta 1998 el mercado no ve un nuevo disco de Clapton. Es en este año cuando se lanza al mercado Pilgrim, el primer trabajo con canciones nuevas desde hace unos años, en el cual se denotan unos aires muy A.O.R., incluso con algún devaneo con las nuevas tecnologías musicales, tan de moda en estos años finales de la década de los noventa. No obstante, su clase y elegancia sigue presente en cualquier nuevo lanzamiento de esta leyenda de la música contemporánea.

Mayall, John (1933- )

& Nacido el 29 de noviembre de 1933. Junto con Alexis Korner, John Mayall fue, en su momento, la figura más importante del movimiento R&B británico de los sesenta, y en sus Bluesbreakers militaron, entre otros, Eric Clapton y los fundadores de Fleetwood Mac, Peter Green y John McVie. Nacido en Macclesfield (cerca de Manchester) en noviembre de 1933, al finalizar su servicio en la RAF, entra en la Escuela de Artes. Fue en aquellos años cuando formó su primera banda, llamada The Powerhouse Four, que en 1961 sería rebautizada como The Blues Syndicate.
Empujado por Korner, Mayall decidió mudarse a Londres y organizar la primera formación de The Bluesbreakers, grabando su primer álbum, Crawling Up A Hill, en 1964. Un par de años más tarde, alcanzaría sus mayores cotas de popularidad y ventas en su efímera unión con Clapton, al editar Bluesbreakers - John Mayall With Eric Clapton. En 1967, cuando Eric Clapton lo dejó para formar Cream, Mayall grabó un disco en el que tocaba él solo todos los instrumentos y poco después reformó la banda de nuevo, con Peter Green entre los componentes. Más tarde llegó a reclutar a un joven Mick Taylor -luego en The Rolling Stones- para grabar otro álbum (Crusade, de 1967). No es extraño, pues, que los aficionados consideraran a The Bluesbreakers como la auténtica escuela británica de geniales guitarristas.
Pero al concluir los sesenta, el final de su primera etapa se aproximaba y en la década siguiente, Mayall decidió trasladarse a California y rodearse de una banda totalmente americana, editando Back To The Roots, en 1971. En los años que siguieron, grabó un álbum con Stan Getz, llamado Jazz-Blues Fusion, editado en 1972, y lanzó nuevas producciones con relativa frecuencia. En 1982, hubo una reunión puntual de los clásicos The Bluesbreakers, con Taylor de nuevo junto a Mayall, que se vería plasmada en: 1982 Reunion Concert. Mayall sigue trabajando y lanzando discos, con menor asiduidad que antes, aunque permanece en activo. En los noventa ya ha editado A Sense Of Place, en 1990, y Wake Up Call, en 1993, con músicos de la talla de Buddy Guy, Albert Collins, Mavis Staples y su viejo amigo Mick Taylor colaborando en su elaboración.

Collins, Albert (1932-1993)

& Cantante de blues, nacido en marzo de 1932 en Leona (Texas), y fallecido en Las Vegas (EEUU) en noviembre de 1993. Creció en la ciudad de Houston, donde formó muy pronto la típica banda juvenil. En 1958 grabó su primer tema, "The freeze". No obstante, Collins fue, básicamente, un artista de directo, y gran parte de sus grabaciones fueron capturas en vivo. Tras aquel primer tema siguió grabando sencillos, sobre todo en el periodo comprendido entre 1962 y 1963, donde destacan canciones como "Frosty", que ya dejaban adivinar cual sería su estilo en el futuro, basado en una manera muy especial de tocar la guitarra, un modo que se vino a denominar "cool".

Fue introducido en el circuito nacional de directos por el malogrado Bob Hite, de los Canned Heat. Se trasladó a la costa Oeste en 1968, donde prosiguió su actividad, tocando en vivo y grabando álbumes como los tres que hizo para Imperial Records a partir de dicho año: Love can be found anywhere (even in a guitar), Trash talkin´ y The complete Albert Collins; los tres se reeditarían más tarde, cuando su fama logró otras cotizaciones. Pero Collins pasó la década de los setenta sin un sello ni personal fijo que le amparase, aunque siguió actuando a la vez que desarrollaba sus capacidades vocales. Se integró en la banda de Robert Cray, lo que le llevaría a ser conocido en muy diversos países, algo que necesitaba Collins desde tiempo atrás. En el año 1978 fichó por la independiente Alligator Records, y su primer trabajo en el nuevo sello fue Ice pickin´, al que le siguieron cinco más, como Showdown !, con su amigo Robert Cray y con Johnny Copeland. Para entonces, su nombre era conocido y respetado.

Strong Persuader (1986) se grabó para Mercury Records, pero hasta 1991 no vería la luz otro disco del genial guitarrista: Truckin´ with Albert Collins, a la postre el último con Mercury, puesto que Albert Collins se editó en Virgin Records, en ese mismo año. La razón no fue otra que la extensa lista de colaboraciones que llevó a cabo en ese periodo de tiempo (1986-91) en las que trabajó con gente como Eric Clapton (24 nights, grabado en directo en Londres entre 1990 y 1991), Gary Moore, B.B. King, John Lee Hooker, Jack Bruce, etc. Era un preciado artista invitado en cualquier disco de las figuras del blues. Uno de sus últimos trabajos fue una incursión en el campo del jazz, en un supergrupo llamado Buckshot LeFonque, con un disco del mismo título editado en 1994. Este trabajo se editó de manera póstuma, ya que Collins falleció en Las Vegas (EEUU) en noviembre de 1993 aquejado de un cáncer.

Robert Cray Band, The (1974- )

& Grupo musical estadounidense, formado en Eugene (Oregon) en 1974, e integrado por Robert Cray, nacido el 1 de Agosto de 1953 en Columbus (Georgia), vocalista y guitarrista, líder de la banda, y por Kevin Hayes (batería), Jim Pugh (teclados) y Karl Sevareid (bajo).

Robert Cray no es solamente el artista de color más importante e innovador desde la primera generación de grandes de la guitarra eléctrica -la generación de Muddy Waters y John Lee Hooker, entre otros-, sino también el de mayor éxito. Residía en Virginia cuando empezó a tocar en su primera banda de instituto, a mediados de los sesenta, con una guitarra Harmony de 69 dólares que su madre había comprado para él mientras su padre se encontraba luchando en la guerra de Vietnam. Cray recuerda que vivir en Virginia le permitió el acceso a la música "más fresca" de aquellos momentos: "en la radio podían escucharse toda una amplia gama de temas de soul sureño -"Tell It Like It Is", de Aaron Neville; "I'm Your Puppet", de James and Bobby Purify; o "Soul Man", de Sam & Dave-. Después llegaron Jimi Hendrix y Cream, y yo me vi impregnado de todos aquellos nuevos sonidos eléctricos".

Cuando vio por primera vez a Albert Collins en un festival de rock de 1969, Cray se convirtió en discípulo de los representantes más destacados de ese modo blues de tocar la guitarra. Ese mismo año conoció al bajista Richard Cousins, que a la postre sería integrante de la Robert Cray Band (hasta 1991). Tras quince años en un relativo anonimato actuando en el circuito de blues del noroeste del Pacífico, Cray encontró finalmente la forma de acceder a los escalones más altos del mundo del rock, en donde compartió escenario con Eric Clapton, Tina Turner y Huey Lewis, y se situó al mismo nivel que Keith Richards y Chuck Berry, por nombrar sólo a unos pocos.

Las situaciones y personajes de sus canciones brotan de esa fuente de cruda emoción que siempre ha inspirado la música de blues: asuntos amorosos, eternos triángulos, los engaños, las mentiras y la tristeza que conllevan las relaciones personales. Pero Cray ha actualizado en gran medida el personaje tradicional del bluesman; en una canción, se queja de que su mujer se haya largado no con sus últimos diez certavos, sino con sus tarjetas de crédito. En este sentido, Cray destaca por haber contribuido a trazar un nuevo y amplio campo de posibilidades en el género del blues.

En cuanto a sus trabajos, mencionaremos aquí los más importantes. Tras su álbum de debut, vio la luz en 1884 Bad Influence, cuya producción austera y de bajo presupuesto, lejos de suponer una desventaja, iluminó la brillantez de su enfoque y enfatizó la extraordinaria cohesión de su banda, que por aquel entonces incluía a Cousins, el bajista, junto con Peter Boe a los teclados y David Olson a la batería. Producido por Bruce Bromberg y Dennis Walker (al igual que el resto de los álbumes de Cray), Bad Influence es el primer trabajo que puede ser considerado con propiedad una muestra de lo que a partir de entonces sería el sello distintivo de Cray: la combinación de estilo vocal soul, tono astringente de guitarra y letras concentradas. Los temas "Phone Booth" y "Bad Influence" (este último grabado más tarde por Eric Clapton) se encuentran entre lo mejor del legado de Cray, y todavía hoy en día forman parte sistemáticamente de sus actuaciones en directo. En Gran Bretaña, Bad Influence fue el primer álbum de blues que consiguió introducirse en las listas independientes, y a pesar de que algunos temas del final son prescindibles, lo cierto es que el disco abrió un nuevo capítulo en la historia del blues.

Al año siguiente se editó False Accusations, con una producción igualmente poco recargada en la que Bromberg y Walker sintonizan perfectamente con el estilo del disco anterior; este nuevo trabajo desarrolla los mismos motivos básicos, pero su intensidad varía en distintos grados, particularmente en la balada "The Last Time" y en el desenfadado "S.O.F.T. (Change of Heart, Change of Mind)". Aunque todavía estaba grabado con un pequeño sello independiente, se aprecia en la banda un manejo de mayores recursos y una mayor experiencia y, si Cray lo hubiera lanzado con un sello más grande, habría sido sin duda un éxito masivo.

En 1986 salió a la venta Strong Persuader, que llegó a ser número trece en los Estados Unidos. Mientras que las raíces de Cray permanecían sólidamente ancladas en el duro suelo de su patrimonio blues y soul, sus ramificaciones musicales le hacen valedor, con este trabajo, de un lugar privilegiado en el mercado del rock contemporáneo. Impulsado por el éxito estadounidense "Smoking Gun", el disco consiguió ventas millonarias, que sobrepasaron con creces cualquier expectativa convencional en la curva de éxitos de la carrera de un artista de blues. Fue el primer álbum de Cray en el que colaboraron los legendarios Memphis Horns (Wayne Jackson a la trompeta y el trombón, y Andrew Love al saxofón tenor), que más tarde se convirtieron en asiduos de la banda de Cray.

Dos años después, en 1988, otro disco de la Robert Cray Band volvió a ocupar el décimo tercer lugar en las listas de éxitos, aunque esta vez fue en las británicas. Se trata de Don't Be Afraid of the Dark; en él, los Memphis Horns adquieren un mayor protagonismo en temas como el que da título al elepé, o en "Your Secret's Safe With Me" y "At Last", y dotan de rasgos de auténtico soul sureño al sonido brillante y preciso que es el sello de Cray. Una colección de canciones más carismáticas componen el núcleo del que fue el siguiente trabajo de este grupo, editado en 1990 con el título de Midnight Stroll. Con este álbum se consolida firmemente la creciente confianza de Cray como cantante, y la riqueza de sus recursos vocales constituye sin duda el mayor atractivo de esta nueva entrega. Temas como "These Things" y "Bouncin' Back" se cuentan entre las ejecuciones vocales más apasionadas y generosas que jamás se han incluido en un disco, y "My Problem" y "The Things You Do To Me" (ambas escritas por Cray) son baladas lentas y suaves que encajan en la tradición de Otis Redding. Aparte de un par de temas swing ("Labor of Love" y "Walk Around Time") y del cuento triste "The Forecast (Calls for Pain)", del productor Dennis Walker, son las propias canciones de Cray las que sobresalen por encima de cualquiera otras, y ninguna de ellas más que "Move a Mountain".

Con I Was Warned, editado en 1992, Cray da muestras de haber delimitado ya perfectamente su territorio y de haber llegado a la suma perfección de su arte y, al igual que Van Morrison o Richard Thompson, parece dispuesto a editar sucesivamente álbumes excelentes sobre pequeñas variaciones de su infalible estructura principal. El tema que da título al disco trata, otra vez, de la tentación que produce la fruta prohibida, incluso a pesar del pleno conocimiento del gusto amargo que deja. Con su ritmo sinuoso de samba y la bravura de su solo de guitarra, el tema es una obra maestra, al igual que otros que se incluyen en este elepé, como "A Picture of a Broken Heart", "Just a Loser", "A Whole Lotta Pride" o "The Price I Pay".

Berry, Chuck (1926- )

& Importante autor e intérprete norteamericano de Rock And Roll, creador de canciones decisivas en la consolidación y desarrollo del estilo. Nació el 15 de enero de 1926 en St. Louis, Missouri, (aunque otras fuentes afirman que fue en San José, California, en 1931) con el nombre de Charles Edward Berry. Su peculiar manera de escribir y tocar la guitarra todavía perdura en el Rock, habiendo influido en el estilo de generaciones posteriores. Muchos detalles de su vida aún permanecen en la sombra, pero es sabido que sus padres cantaban en el coro de una iglesia baptista y que él pasó parte de su adolescencia en un reformatorio, debido a un delito de sustracción. También estudiaba por las noches para cosmetólogo, y a principios de los cincuenta lideraba un trío de Jazz y Blues, tocando por el circuito local. Pero su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le envía a ver a Leonard Chess y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión, siguiendo su carrera en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.
En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por los Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta el 1965, cuando cambia de sello y ficha por Mercury, para el que edita tres l.p.'s con poca incidencia entre el público. Retorna a Chess Records en 1970, y el regreso le da un número uno a ambos lados del Atlántico, que le permite ser admirado por otra nueva generación de aficionados. Graba esporádicamente, y sigue actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado, de nuevo -esta vez por cien días- convicto de evasión de impuestos. Su actividad en los ochenta se reduce a actuaciones y apariciones en films esporádicas, publicando su propia autobiografía. En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode, ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972, ...), además de su original paso del pato -con el que cruzaba el escenario de un lado a otro- y su proverbial tacañería.

Wells, Junior (1934-1998)

& Intérprete musical norteamericano, nacido en Amos Blakemore (Memphis, Tennessee) en 1934, y muerto en Chicago (Illinois) el 21 de enero de 1998. Esta considerado como una de las grandes figuras del blues de todos los tiempos. En compañía de los guitarristas Muddy Waters y Buddy Guy, consolidó el estilo conocido como "sonido de Chicago", dentro del cual sobresalió -junto a John Lee Hooker, Sonny Boy Williamson y Little Walter- como uno de los más influyentes maestros de armónica, su instrumento favorito.

En 1947 su familia se trasladó a Chicago, donde el joven Wells pudo dar rienda suelta a su pasión por la armónica. Su leyenda dice que de pequeño fue sorprendido in flagranti crimine cuando robaba una modesta armónica de dos dólares, y que, una vez conducido ante el juez, fue absuelto porque éste mismo pagó de su bolsillo el precio del humilde instrumento, tras escuchar arrobado las notas que Wells era capaz de extraer de él.

Tras ofrecer su primer concierto a los catorce años de edad, en 1952 se incorporó a la ya famosa banda de Muddy Waters y grabó algunos discos con el guitarrista Buddy Guy. Entre ellos, sobresale Drinkin' TNT'n' smoking' dynamite.

En 1997 estuvo nominado en la lista de candidatos a los premios Grammy.

King, Blues Boy (1925- )

& Guitarrista y cantante de blues. Nació en Indianola, en el delta de Mississippi, donde trabajó en los campos de algodón que rodeaban su casa. Comenzó tocando en las calles como músico ambulante y posteriormente en los clubes de blues de Memphis. En 1949 sacó al mercado su primer disco y desde entonces ha grabado más de 70 elepés y todavía mantiene una apretada agenda de giras que le llevan a viajar por todos los lugares del mundo. King ha sido distinguido con muchos honores, ha recibido en tres ocasiones el título honorífico de doctor, una de ellas por la Universidad de Yale.
Es el más destacado intérprete de blues vivo y el precursor de un estilo que se convirtió en piedra angular en la manera de tocar la guitarra rock. De forma intuitiva coloca notas tocadas a toda velocidad y pesados sonidos metálicos medio improvisados.

Hendrix, Jimi (1942-1970)

& James Marshall Hendrix nació en Seattle, en 1942, y fue, sin duda, uno de los mejores guitarristas de la historia del Rock. Su manera de tocar ese instrumento, ha influido poderosamente en generaciones posteriores, hasta hacerse casi inevitable citar un antes y un después de Hendrix. Músico autodidacta, tuvo su primera guitarra a los doce años y, aun siendo zurdo, prefirió tocar durante toda su carrera guitarras para diestros. Después de pasar dos años como paracaidista en el ejército norteamericano, trabajó en infinidad de bandas de Soul y R&B de gente tan importante como B.B. King, Little Richard, Jackie Wilson o Sam Cooke, pasando esta época, de 1961 a 1964, adquiriendo el rodaje que curtiría como solista.
En 1964, forma una banda en Nueva York y compone algunas canciones, antes de que el bajista de la banda británica The Animals, Chas Chandler (1938), lo invita a visitar Inglaterra después de verle actuar. Una vez en Londres, recluta al batería Mitch Mitchell (1940) y al bajista Noel Redding, tocando como Jimi Hendrix Experience por los clubes locales. En 1966 ficha por un sello independiente, Track, y edita su primer single, Hey Joe, que le da su primer Top 10 en las listas, a la postre el clásico por el que siempre se recuerda al guitarrista de Seattle. A lo largo de 1967 sigue editando singles con igual resultado, e impacta en América por primera vez en el Festival Pop de Monterrey. Llega al clímax de su actuación incendiando su guitarra en el escenario. Are You Experienced? de 1967, y Axis: Bold As Love de 1968, cimentan su fama internacional, con una colección de obras maestras basadas en el Blues, el Rock, la psicodelia, y esa extraordinaria y original manera de tocar la guitarra.
En 1969 se lanza el doble álbum Electric Ladyland, con colaboraciones de Steve Winwood, Al Kooper y Buddy Miles, entre otros, coincidiendo este buen momento con el deterioro de las relaciones entre Hendrix y Redding; actúa en el estival de Woodstock de 1969 y reemplaza a The Experience por The Band OfLP en directo, y Mitchell retorna de nuevo con Jimi, tomando el sitio de Miles, para realizar la que sería su última actuación en el Festival de La Isla de Wight.
Unos días después, Hendrix muere asfixiado por su propio vómito mientras dormía bajo los efectos de una fuerte dosis de barbitúricos, truncándose así una de las más grandes carreras de la historia del Rock. Era septiembre de 1970 y Jimi estaba a punto de cumplir veintiocho años, aunque su influencia sigue siendo notable hasta nuestros días. Perdura con fuerza en infinidad de músicos y bandas. En el plano discográfico, la figura de Hendrix ha ido in crescendo después de fallecido; buen ejemplo de ello son las excelentes ventas de las últimas recopilaciones lanzadas por su discográfica: The Ultimate Experience, de 1993, y Blues, en 1994, así como unos cuantos homenajes, como Stone Free, de 1993, con colaboraciones de los Cure, Eric Clapton, Pretenders, etc., o InFrom The Storm (1995) con Carlos Santana, Stanley Clarke, Eric Schenkman, Brian May o Corey Glover entre otros muchos.

Yardbirds, The

& Banda de Rock británica, con formación en constante cambio, por la que pasaron tres guitarristas tan fundamentales e influyentes como Eric Clapton (1945), Jeff Beck (1944) y Jimmy Page (1944). Los miembros fundadores fueron Paul Samwell-Smith (1943), Keith Relf (1943-1976), Christ Dreja (1945) y Jim McCarty (1943), que comenzaron en 1963 como The Metropolitan Blues Quartet, y cambian de nombre a The Yardbirds cuando poco después se les une Anthony Topham a la guitarra. Éste no duró mucho en su seno y fue reemplazado por Clapton. Con esta formación, tocaron en multitud de escenarios, con un estilo Blues-Rock, y, en 1965, son fichados por Columbia, editando su primer single, I Wish You Would, en una línea más purista que en las actuaciones, donde Clapton ya se dejaba ir en los solos de guitarra, con un estilo más innovador.
En realidad, su primer éxito llega ese mismo año con For Your Love, pero Eric Clapton marcha para integrarse en la banda de John Mayall y llega Jeff Beck para ocupar la vacante. Este período, denunciado por Clapton como más comercial, es el mejor del grupo en cuanto a popularidad se refiere, con acercamientos a instrumentos electrónicos y elementos propios de la psicodelia. En 1966, Samwell-Smith deja la banda y Jimmy Page se integra como nuevo Yardbird; dura poco tiempo el dúo Beck - Page a las guitarras ya que el primero abandona la banda para iniciar su propio camino. Finalmente, en 1968, la banda se disuelve. Page crea ,más tarde, los New Yardbirds, la semilla de los futuros Led Zeppelin.

Beck, Jeff (1944- )

& Uno de los grandes guitarristas británicos, tanto en el blues como en el rock, nacido el 24 de junio de 1944 en Surrey (Reino Unido). Ya en 1963 tocaba con bandas de R&B, para pasar a reemplazar a Eric Clapton en The Yardbirds, formación que dejaría en 1966, año en el que formó su propio grupo con Ron Wood y Rod Stewart. Las actuaciones en directo del Jeff Beck Group eran de las más potentes y excitantes de la época. Beck grabó algún single en solitario, como "HI ho silver lining" (1967), y álbumes con el grupo, como Truth (1968) o Beck Ola (1969), ambos llegaron al top 20 en las listas americanas. Después, Wood y Stewart dejaron el grupo, y las mejores ventas llegaron para Beck en 1975, con el álbum Blow by blow, producido por George Martin, al igual que el siguiente, Wired, ambos llenos de rock.

En 1977 se inclinó hacia un terreno próximo al jazz-rock, y editó Jeff beck with the Jan Hammer Group" y en 1980 buscó nuevos colaboradores para editar There and back. Desde 1980 hasta 1985 sus colaboraciones esporádicas en causas benéficas fueron el único legado que dejó en esa etapa, para volver a grabar en 1985 otro álbum Flash, con algunos de sus antiguos amigos. Trabajó en los dos primeros discos en solitario de Mick Jagger, en 1986 y 1987, y lanzó también una versión del "Wild thing" de The Troggs. En 1989 editó "Guitar Shop", y desde entonces sólo se han editado recopilaciones, como la caja de tres volúmenes Beckology (1991).

Santana, Carlos (1947- )

& Guitarrista de origen mejicano nacido en Autlán, México, el 20 de julio de 1947, líder de la banda de rock que lleva su nombre, de importancia no sólo por la calidad de su producción discográfica sino también por la inclusión de ritmos latinos en la composición y arreglos de sus temas musicales. Residente en San Francisco (California) desde su adolescencia, Carlos Santana funda en 1966 su primer grupo profesional, junto al también guitarrista Tom Fracer, con el nombre de Santana Blues Band. Sus excelentes actuaciones en el circuito local y en el Festival de Woodstock les lleva a firmar contrato con la discográfica CBS, editando un primer álbum, Santana (1969), que no tarda en superar el millón de copias vendidas y alcanzar el primer puesto de la lista americana de elepés con el single Evil Ways convertido en uno de los más radiados del año. Su segundo trabajo, Abraxas (1970), recibe inmejorables críticas. El trabajo incluía versiones del clásico de Fleetwood Mac Black Magic Woman y Oye Cómo Va del salsero Tito Puente, con marcadas influencias afrocubanas, como ocurrirá en su nuevo trabajo Santana III. En 1972, las modas orientalistas y la búsqueda de formas musicales más complejas, incluyendo el jazz y el rock progresivo, comienzan a apreciarse en la labor de un Carlos Santana que, tras la edición del elepé Caravanserai, inicia una serie de colaboraciones con músicos de prestigio como Byddy Miles, Alice Coltrane y John McLaughlin, algunas de ellas plasmadas en ediciones discográficas como Love Devotion Surrender, de 1973.
Sus álbumes posteriores (Welcome, de 1973, Borboletta, de 1976, Amigos, de 1976, Moonflower, de 1977, Inner Secrets, de 1978, Marathon, de 1979, etc.) mantienen el prestigio de Carlos Santana, líder de formaciones constantemente cambiantes en los componentes de la banda de acompañamiento. Aunque el éxito no haya vuelto a repetirse con la intensidad de los primeros momentos, sus actuaciones a lo largo de todos estos años continúan siendo multitudinarias, en las que se admira la calidad técnica de un Carlos Santana siempre acompañado de su guitarra Gibson-335.

Richards, Keith (1943- )

& Guitarrista y compositor del grupo "Rolling Stones", nacido en Dartford, Kent, Gran Bretaña, el 18 de diciembre de 1943. Tuvo una infancia difícil, siendo expulsado de distintos colegios así como de la escuela técnica en la que estudiaba junto a Mick Jagger. Su afición a las drogas se puso de manifiesto muy pronto y la mantuvo durante dos décadas. Cuando su padre los expulsó de casa, suprimió la "s" de su apellido convirtiéndolo en Richard para no llevar el mismo que su progenitor.
A finales de 1962 tocó junto a Mick Jagger, Brian Jones, Ian Stewart, Dick Taylor y Charlie Watts, en el Club Picadilly de Londres. A principios de enero del año siguiente, después de que Bill Wyman sustituyó como bajista a Dick Taylor, buscaron un nombre para el grupo y escogieron "Rolling Stones", título de una canción del norteamericano Muddy Waters. En abril firmaron su primer contrato discográfico y dos meses después se puso a la venta su primer disco, un sencillo con las canciones Come on, y Want to be loved. El 29 de septiembre de ese mismo año comenzó su primera gira por Inglaterra y en abril de 1964 publicaron su primer elepé titulado The Rolling Stones. Consagraron una imagen de rebeldes frente al más popular conjunto británico, "The Beatles".
En marzo de 1986 se produjo lo que parecía la ruptura definitiva del tándem Jagger-Richards. En octubre de 1988 presentó su primer álbum en solitario, Talk is cheap. Compuso y produjo él mismo las canciones, acompañado por el batería Steve Jordan.
Ese mismo año los cinco miembros del grupo decidieron reunirse por primera vez en dos años para trabajar juntos. En agosto de 1989 salió al mercado su nuevo disco Steel Wheels y realizaron una inesperada gira por norteamérica iniciada en Filadelfia. Tras el éxito del disco y de la gira norteamericana, en 1990 realizaron otra por Europa.

Bloomfield, Mike (1944-1981)

& Guitarrista norteamericano nacido en 1944 en Chicago (Illinois) y fallecido en 1981. Aunque no logró gran éxito comercial, fue punto de referencia para muchos guitarristas de Blues e influencia en músicos posteriores. Pasó su juventud oyendo a "monstruos" del Blues como Muddy Waters, para tocar más tarde en algunas bandas locales. Pero no sería hasta 1965 cuando se integrara en la banda de Paul Butterfield, y en ese mismo año, tocaron como acompañamiento en directo de Bob Dylan, en el Newport Folk Festival. Más tarde, esta colaboración desembocaría en las sesiones de grabación de "Highway 61 Revisited", en las que Bloomfield tocaba la guitarra al lado de Dylan. Fruto de todo esto, la fama de Mike Bloomfield siguió en aumento, y dejó la Butterfield en 1966 para formar Electric Flag con un viejo amigo (Nick Gravenites), Buddy Miles, Harvey Brooks y Barry Goldberg. Long time comin´(1968), fue el álbum que recogió las grabaciones del grupo, pero Mike lo abandonó poco después de lanzarse el disco. El resto grabaría otro disco más, antes de formar parte de los grupos de Jimi Hendrix (Miles) y de Janis Joplin (Gravenites).

Terminada esa época, Bloomfield se instaló en San Francisco, donde inició una errática carrera en solitario. Comenzó colaborando con Al Kooper, para después trabajar con J. P. Hammond y Dr John, hasta que en 1975 MCA Records organizó un grupo para tocar con él. En esta formación estaban Goldberg, Carmine Appice y Ric Grech, pero lanzaron un álbum con más pena que gloria y Bloomfield se volvió a marchar nada más lanzarse el trabajo discográfico. Sin ganas de tocar en directo, y con problemas con las drogas, hizo música para algunas películas y editó algunos discos con escasa fortuna, hasta que en 1981 fue hallado muerto dentro de su coche.

Mayfield, Curtis (1942- )

& La figura del Soul, R&B y la música Disco Curtis Mayfield, nació en junio de 1942 en el South Side de Chicago. Tras pasar trece años al frente de The Impression (con quienes grabara a los dieciséis años su primer éxito, For Your Precious Love, en el sello Vee Jay Records), en 1970 - la banda se habían formado en 1958- decide abandonar al grupo. En este año edita su primer álbum en solitario. El L.P. contenía dos temas claramente funkies, históricos en su nueva etapa: Move On And Up y (Don't Worry) If There's A Hell Down Bellow, We're All Going To Go. Al año siguiente, en 1971, edita un doble en directo, grabado en el Bitter End de New York, en el que se mezclan versiones de sus temas con The Impression y nuevas canciones.

Frente a las producciones sofisticadas habituales de Curtis, su directo resulta sencillo, cuenta sólo con su guitarra (ocasionalmente una segunda), bajo, percusión y batería. La mayoría de los singles del álbum se convertirán en sucesivos éxitos en las discotecas británicas, en las que el artista empieza a ser el ídolo del momento. A finales de ese mismo año sale a la luz el L.P. Roots -su tercer álbum en solitario- que contiene el himno pacifista We Got To Have Peace, entre temas generalmente de corte romántico. Los meses siguientes Mayfield los emplea en la composición de su primera banda sonora (la del film Superfly, en la línea del conocido Shaft). De ella se extrae como sencillo Freddie's Dead, una de sus mejores canciones. En 1974 se edita Sweet Exorcist -que cuenta con la presencia de Donny Hathaway- y meses después Got To Find A Way. Su siguiente trabajo -ya en 1975-, de explícito contenido antirracista, será There's No Place In America Today, que contiene uno de los singles de mayor éxito en la carrera de Curtis: So In Love, con un acompañamiento cuyo estilo en el bajo es todo un homenaje y recuerdo al Soul de los sesenta.

En 1976 publica un álbum centrado en la música Disco: Give, Get, Take And Have y dedica el resto de su tiempo a la producción del L.P. Sparkle con Aretha Franklin (que incluye una versión del tema de Mayfield Never Say You Can't Survive). Poco después, colabora en la composición de la banda sonora del film Short Eyes -uno de los muchos que han requerido su atención como Claudine (con la voz de Gladys Knight) o Let's Do It Again (con The Staples Singers). En 1978 vuelve a producir un trabajo de Aretha Franklin, Almighty Fire, y prepara los temas de su propio L.P. Do It All Night, un larga duración enteramente Disco.

Las dificultades del sello Curtom le llevan a la discográfica RSO que insiste en que utilice un productor para su nuevo álbum. Su relación con la RSO concluirá con la edición de Something To Believe. Tras fichar con el sello Boardwalk, edita Love Is The Place, trabajo al que seguirá Honesty, que significará el final de su contrato con la discográfica, por la crisis de ésta. Mayfield crea su propio sello, CRC (debido a la total desaparición de Curtom) y edita en 1985 Come In Peace With A Message Of Love. En 1987 graba con el grupo inglés The Blow Monkeys: Celebrate, tema marginado por la BBC al contener en su letra ataques contra el Primer Ministro de las islas en plena campaña pre-electoral. Realiza giras por Inglaterra, Suiza, Australia, Alemania, Holanda y Francia en 1987, que coinciden con el trabajo que la independiente Ichiban Records realiza con el material existente en Curtom. En Inglaterra se reedita Superfly y el single Move On Up, por entonces todo un éxito también en la versión de Paul Weller con The Jam. Un desgraciado accidente que tuvo lugar en agosto de 1993 (una ráfaga de viento derriba sobre él parte del equipo de iluminación durante un concierto en el barrio de Brooklyn de New York, ante más de diez mil personas) le deja inmóvil de cuello para abajo.

En 1994 primeras figuras deciden reunirse para editar un álbum-homenaje, All Men Are Brothers: Curtis Mayfield Tribute, en el que están presentes B.B King, Rod Stewart, Bruce Springsteen, Eric Clapton, Aretha Franklin, Isley Brothers, Elton John, Steve Wonder, Gladys Knight, Phill Collins, Public Enemy, Narada Michael Walden, Steve Winwood, Lenny Kravitz y Branford Marsalis & The Impressions. El tema Let's Do It Again -interpretado por The Repercussions- cuenta con la propia voz de Curtis Mayfield, su primera intervención discográfica desde el accidente.

Williamson, John Lee (1914-1948)

& Músico de blues estadounidense, conocido como Sonny Boy Williamson, que se hizo famoso por su arte con la armónica, y que influyó de manera decisiva en las décadas de los treinta y los cuarenta en todos los intérpretes de dicho instrumento. En los años veinte tocó junto a Sleepy John Estes y Yank Ranchell, y se trasladó a Chicago en 1934 para comenzar a grabar más tarde para un sello subsidiario de RCA, Victor. Eso ocurría en el año 1937, y fue entonces también cuando grabó lo que se convertiría al poco tiempo en uno de sus más conocidos temas y en un clásico del blues: "Good Morning (Little) School Girl". Grabó más de un centenar de temas entre 1937 y 1945, y, de no haber muerto prematuramente, habría sido uno de los personajes de mayor importancia en la historia de la música universal. Su asesinato a manos de un ladronzuelo que le asaltó cuando volvía a casa, truncó una carrera prometedora al poco de haber cumplido los treinta y cuatro años de edad.

Cream

& Grupo británico de música rock, formado en 1966, e integrado por Ginger Baker (batería y voz), Jack Bruce (bajo, armónica, piano, chelo y voz) y Eric Clapton (guitarra y voz). A pesar de que su carrera como grupo duró apenas dos años y medio (menos tiempo del que tarda una banda hoy en día en sacar a flote su primer álbum), los Cream marcaron el comienzo de una nueva era en el rock. Haciendo gala de una técnica instrumental altamente evolucionada, los tres músicos se vieron impulsados por el deseo de expresarse a través de prolongadas sesiones de improvisación, una práctica bastante familiar en el contexto del jazz, pero que había sido excluida hasta entonces del ámbito del rock'n'roll.

Baker procedía del mundo del jazz, en donde tenía ya una reconocida trayectoria; y, aunque nunca se hubiera dicho atendiendo al tipo de trabajo que hizo con Cream, lo cierto es que había empezado tocando con grupos como la Acker Bilk's Paramount Jazz Band, o músicos como Terry Lightfoot y Ronnie Scott. Baker tocó con Jack Bruce por primera vez en Alexis Korner's Blues Incorporated, y después se integró en The Graham Bond Organisation, en donde Bruce también tocó el bajo durante un tiempo. Otros compromisos de Bruce durante este periodo de gran movilidad le llevaron a colaborar con Manfred Mann (por ejemplo en el tema "Pretty Flamingo", de 1966, que alcanzó el número uno de las listas), o con John Mayall's Bluesbreakers, en donde también estuvo Clapton durante una breve temporada.

El primer disco del grupo, Fresh Cream, vio la luz en 1966, y fue un debut de gran resonancia. En él se mezclaban composiciones originales ("N.S.U.", "Dreaming") con clásicos del blues radicalmente reestructurados ("Spoonful", de Willie Dixon; "Rolin' and Tumblin'", de Muddy Waters; "I'm So Glad", de Skip James; y "From Four Until Late", de Robert Johnson). Uno de los temas incluidos en este trabajo que no siempre ha sido alabado como se merece es "Sweet Wine", en el que el cuidado estribillo se combina con pasajes instrumentales de gran espiritualidad, y en el que destaca sobremanera el trabajo detallista de Clapton a la guitarra. Es tal vez uno de los hitos más experimentales de la carrera de este músico. De cualquier forma, la poderosa voz de Bruce, la guitarra contundente de Clapton y las medidas ráfagas de batería de Baker hacen de este disco una de las grabaciones claves del rock británico de la época.

El enorme éxito que los Cream obtuvieron con este disco y con sus actuaciones posteriores en los Estados Unidos, hizo que en 1967 fueran votados como cuarto mejor grupo en la encuesta de la revista Melody Maker, detrás de los Beatles, los Rolling Stones y los Experience de Jimi Hendrix; y, lo que es más aún, Clapton desplazó finalmente a Hank Marvin del primer lugar en la categoría de "mejor guitarrista". Ese mismo año (1967) apareció el segundo trabajo de los Cream, titulado Disraeli Gears. En este disco se alejan un tanto del blues de su primera entrega para acercarse al terreno de la lírica y exhibir unos riffs de guitarra más propios del heavy. Temas como "Sunshine of Your Love" y "Outside Woman Blues" son de lo mejorcito de este elepé.

Aunque el éxito les siguió acompañando, por aquel entonces empezaron a surgir problemas de protagonismo entre Baker y Bruce, lo que unido a la naturaleza intrínsecamente inestable de los compromisos musicales por aquel entonces, llevaría finalmente a la disolución del grupo a finales de 1968. Antes, no obstante, los Cream editaron su tercer y útimo disco, Wheels of Fire, un doble elepé grabado a modo de testamento. La mitad del disco se grabó en estudio, en Nueva York, y muchos de los temas que en él se escuchan ("White Room", "Sitting on Top of the World", "Politician", "Born Under a Bad Sign") se cuentan entre los mejores de la banda. El otro disco se grabó en directo en el auditorio Fillmore West de San Francisco. La versión del "Crossroads" de Robert Johnson con que se abre el disco, arreglada y cantada por Clapton, constituye uno de los ejemplos más excelsos de su trabajo como guitarrista capturados nunca en un disco. Tras la edición de Wheels of Fire, los Cream se despidieron con dos actuaciones en el Albert Hall, el 26 de noviembre de ese año, que marcaron su partida definitiva.

En cuanto a la influencia ejercida por este grupo en el ámbito de la música, puede decirse que el éxito vertiginoso y superlativo que alcanzaron dio lugar a una nueva y fundamental evaluación de la naturaleza del pop, que nunca había sido concebido como algo más que una forma de insertar melodías simples y pegadizas en una media de tres minutos de duración. Con los Cream, el pop abrió sus puertas a la experimentación, y sus guitarras se hicieron más consistentes a la vez que dignas de ser juzgadas por el criterio de los más altos estándares musicales. Del mismo modo, la música de Cream ejerció una influencia directa en el estilo de Led Zeppelin y en la legión de grupos de heavy rock progresistas, y no tan progresistas, que surgieron a continuación. Aunque puede decirse que los Cream despertaron al rock de una especie de letargo, muchos comentaristas, incluido el propio Clapton, expresaron más tarde su consternación ante la corriente galopante de heavy metal "chillón" que el ejemplo del grupo inspiró en sus últimos años.

Rolling Stones, The

& The Rolling Stones, capitaneados por Mike Jagger (1943) y Keith Richards (1943), han sido uno de los grupos más grandes dentro de la historia actual de la música británica, ensombrecidos sólo por el enorme éxito de los Beatles.

Comienzos
La banda se forma a finales de 1962, con Bill Wyman (1941), Brian Jones (1942-1969) y Charlie Watts (1941) y se pasan buena parte de 1963 tocando versiones de clásicos del Blues y R&B en un club como banda fija; graban ese año Come On, el primer sencillo que entra en el Top 20. Los primeros álbumes de la banda, Rolling Stones, Rolling Stones Nº 2 y Out Of Our Heads, editados entre 1964 y 1965, dieron algunos números uno a los Stones, con gran popularidad entre los jóvenes británicos.
Entre aquellos sencillos de éxito, cabe destacar los clásicos Get Off My Cloud y (I Can't Get No) Satisfaction, a los que sigue el no menos famoso Paint It Black, en 1966. Precisamente ese año se edita el l.p. Aftermath, el primero en una serie con ciertos cambios en el estilo, con letras expresando preocupaciones sociales. Pero 1967 trajo sentencias por posesión de narcóticos para Jagger, Richards y Jones, justo cuando la mezcla de Rock y Blues en el estilo del grupo se había asentado para dar lo que sería el sonido característico de la banda, cuya primera confirmación es Jumping Jack Flash, perteneciente al l.p. Beggars Banquet de 1968, que también incluía otro clásico, Sympathy For The Devil. Meses después, Jones abandona el grupo y es reemplazado por Mick Taylor (1948) y Honky Tonk Women alcanza el número uno en ambos lados del Atlántico, y proseguirán en su carrera de éxitos hasta 1972. La salud de Jones estaba muy mermada, hecho que influye en la decisión de abandonar la banda, aunque Jones también comentó que, musicalmente, se estaban alejando del Blues, que era su gran amor. En julio de 1969 es hallado muerto en la piscina de su casa, y el dictamen oficial de su fallecimiento fue el de ahogado bajo la influencia del alcohol y las drogas. El Rock anotaba una víctima más en su lista negra.
A lo largo de los setenta, los Stones parecen perder la prespectiva, al menos momentáneamente, aunque en medio haya temas como la balada Angie, de 1973; Taylor abandona el grupo en 1974. Black And Blue, de 1976, marca la incorporación del ex Faces Ron Wood (1947); su siguiente trabajo será Some Girls y alcanzan el número uno con Miss You. Los Rolling Stones comienzan la década de los ochenta con Emotional Rescue y Tatoo You, que, aunque son éxitos comerciales, dejan entrever que el sonido del grupo ha evolucionado hacia el AOR (Adult Orient Rock). En 1985 fichan por la compañía discográfica Columbia, y editan Dirty Work al año siguiente. Con la mayoría de sus miembros embarcados en proyectos particulares, graban juntos muy de tarde en tarde. Ya en los años noventa, la edición de sus trabajos va acompañada de largas giras promocionales, como en el caso de Voodoo Lounge. El disco es editado por Virgin Records, que en una millonaria operación también compra los derechos de todo su catálogo. En 1995 editan el disco acústico Stripped, que les sirve para hacer revisión de los temas de su propio repertorio preferidos por los propios integrantes de la banda, incluyendo en su formato CD contenido multimedia.

Discografía
Las carreras de los integrantes de The Rolling Stones por separado es también amplia, como corresponde a artistas de su categoría profesional, y aunque las más conocidas corresponden a Mike Jagger y Keith Richard, las trayectorias del resto de miembros de la banda también merecen mención. Mick Taylor, por ejemplo, se ha convertido en un colaborador casi imprescindible de John Mayall desde que dejó los Stones. También colaboró en el Real Live de Bob Dylan, editado en 1985, y en varios trabajos de Carla Olson. Como producción propia destaca Strange In This Town, grabado en directo en 1990, y Mick Taylor, de 1992.
Charlie Watts ha orientado sus proyectos hacia sonidos muy diferentes que los que producía con el grupo, atraído por el Jazz que practicaba ya antes de integrarse en la mítica banda. Live At Fulham Town Hall, con la Charlie Watts Orchestra, se edita en 1986, mientras que con el Charlie Watts Quintet publica From One Charlie, disco instrumental lanzado en 1991. Más tarde graba A Tribute To Charlie Parker, homenaje a la leyenda del Jazz, y su último trabajo, Warm & Tender, en la misma línea que los anteriores, ha sido editado en 1993. Su música no ha sido mayoritaria ni ha obtenido el éxito popular de la banda, pero son grabaciones de una gran calidad.
Subiendo en nivel de popularidad, Ron Wood ha colaborado en discos como Dark Horse, de George Harrison, o Smiler, de Rod Stewart, ambos editados en 1974, y No Reason To Cry, de Eric Clapton, en 1976. Todos estos trabajos son previos a su incorporación a los Rolling Stones, mientras que con posterioridad, colabora en Knocked Out Loaded de Dylan (1986) y en el Aretha, de la Franklin, en el que también está presente Keith Richards. En cuanto a su propia producción, Live At The Ritz, de 1987, es un magnífico disco grabado junto con Bo Diddley, al que sigue Gimme Some Neck, de 1989. Slide On This se edita en 1992, contando con las participaciones de The Edge (del grupo irlandés U2) y The Hothouse Flowers, disco que tendría su réplica en directo en Slide On Live: Plugged In And Standing, lanzado sólo un año después.
Keith Richards ha estado atrapado en gran medida por el Blues, y ha colaborado en los últimos tiempos con Tom Waits en trabajos como Rain Dogs, de 1985, y Bone Machine, de 1992. Con Aretha Franklin colabora en el Jumpin' Jack Flash incluido en el álbum Aretha de 1986. En solitario ha editado unos cuantos trabajos: Talk Is Cheap se edita en 1988, y en 1991, con X-Pensive Winos, graba el Live At The Hollywood Palladium. Su último trabajo en solitario data de 1992, titulado Main Offender. Mercenario de lujo, Richards sigue colaborando y trabajando esporádicamente, cuando la actividad del grupo se lo permite.
Mike Jagger ha sido el más popular de todos los componentes de Rolling Stones en solitario, y no sólo por su carrera musical, sino también propiciado por su vida privada. En 1984 edita She's The Boss, con colaboraciones de Sly & Robbie, Jeff Beck, Herbie Hancock y Pete Townshend, con un estilo más comercial que el exhibido en las grabaciones de los Rolling Stones. Primitive Cool, de 1987, continúa la línea anterior, y obtiene éxito internacional, quizá debido a la ansiedad de los fieles de los Rolling Stones por conseguir material nuevo de la banda en sus etapas menos pródigas. Wandering Spirit se lanza en 1992, con más participaciones ilustres, esta vez por parte de un antiguo colaborador de la época de los Rolling Stones, Billy Preston, aparte de Lenny Kravitz y Flea, de los Red Hot Chili Peppers. En el campo de las colaboraciones para terceros, la lista incluye desde el popular Dancin' In The Streets, tema cantado a dúo con David Bowie, hasta su presencia en algún disco de Carly Simon.

Después de editar “Stripped”, los Stones comienzan a grabar su siguiente disco, que vería la luz en el año 1997. “Bridges To Babylon” es el título del nuevo registro de los veteranos rockeros, al cual siguió una extensa gira mundial, con una puesta en escena espectacular.
Tras este largo periplo, en el año 1998 llega la edición de “Flashpoint”, álbum grabado en directo.

Guitarras eléctricas Sólidas.

La guitarra eléctrica sólida es la variedad más popular y abundante dentro de la familia de las guitarras eléctricas. La primera guitarra sólida, The Frying Pan (la sartén), fue fabricada en serie en 1932 por la compañía Ro-Pat-In, con el nombre comercial de Electro string instrument (Instrumento electrónico de cuerdas) y posteriormente pasó a llamarse Rickembacker. Este modelo tuvo muy poco éxito comercial por su rudeza y poco atractivo diseño. Más tarde, hacia 1940, Les Paul presentó a Gibson el modelo The Log, que si bien constituía un importante avance sobre su antecesora, no reunía aún las características necesarias para ser construida en serie. El siguiente paso hacia la guitarra eléctrica que hoy se conoce lo dieron Paul A. Bisgby y Merle Travis con la Bigsby-Travis Guitar. Si bien esta guitarra no es importante desde el punto de vista comercial, a nivel de diseño marcó muchas de las líneas que el resto de los fabricantes seguirían, como el clavijero con todas las clavijas a un lado o el anclaje de las cuerdas a través del cuerpo. Actualmente este prototipo se encuentra en el Country Music Hall of Fame, en Nasville (Tennessee). En 1950 apareció la primera guitarra eléctrica sólida producida en serie: la Fender Broadcaster. Algo más tarde se cambió el nombre de este modelo, que pasó a denominarse Telecaster. Se podría considerar que fue a partir de este momento cuando la guitarra eléctrica comenzó a ser un instrumento musical consolidado, con una comercialización enfocada a grandes ventas. Este modelo ha perdurado hasta nuestros días y continúa siendo uno de los favoritos de los guitarristas. Pero la autentica revolución llegó en 1954 con la aparición de la Fender Stratocaster. Éste es indiscutiblemente el modelo más popular, imitado y vendido de la historia de la guitarra eléctrica. Su diseño es obra de Leo Fender y Freddie Tavares, con la colaboración de Bill Carson. Esta guitarra, cuyo diseño ha sobrevivido casi íntegro, contaba con tres pastillas, puente y palanca para efecto de vibrato, cuerpo torneado para conseguir la mayor comodidad del músico, acabado sombreado y otras innovaciones que hicieron que el instrumento fuera un éxito rotundo. Otro modelo que ha sido, y es, enormemente popular es la Gibson Les Paul. Esta guitarra es una evolución del anteriormente citado modelo The Log. La Gibson Les Paul fue lanzada al mercado en 1952, pretendía competir con Fender con un modelo más refinado y con materiales de mayor calidad, por ejemplo la tapa estaba terminada en color oro, el mástil con incrustaciones, los controles dorados, etc. Esta guitarra, mucho más pesada que la Stratocaster tiene un sonido más redondo y apagado aunque muy rico en armónicos y con mucho cuerpo. A pesar de las miles de marcas y modelos que existen en el mercado, se puede afirmar que casi todas las guitarras eléctricas proceden o están basadas en alguno de estos tres modelos de los fabricantes Fender y Gibson, pero tambien debemos citar a otros como Rickenbacker, Paul Reed Smith, Jackson, Washburn e Ibanez.

Grandes Instrumentistas.

La guitarra eléctrica fue en sus inicios un instrumento claramente ligado al jazz y algunos de los guitarristas más destacados de este período inicial fueron Charlie Christian, considerado el primer guitarrista de Jazz eléctrico y Wes Montgomery, célebre por su interesante estilo de pulsación con el dedo pulgar. Otros guitarristas de jazz más cercanos a la actualidad son: Pat Petheny, John Scofield, Lee Ritenour, Joe Pass o John Mc Laughlin.
También los guitarristas de blues encontraron en la guitarra eléctrica un medio de expresión muy adecuado para este tipo de música, y entre ellos destacaremos a Muddy Waters, Albert, Freddie y B. B. King entre los clásicos, y en posteriores generaciones Steve Ray Vaugham, Roben Ford o Robert Cray. Pero es sin duda en el ámbito de la la música rock donde la guitarra eléctrica ha cumplido su papel más decisivo, y destacan dentro de este estilo Jimi Hendrix, Jeff Beck, Eric Clapton, Carlos Santana, Keith Richards, Pete Townsend o Eddie Van Hallen y la siguiente generación con Joe Satriani, Nuno Bethencourt o Steve Vai.

Jimi Hendrix

ForoCoches: Miembro

05-mar-2004 14:17

Toda la información , o conocimientos q tengais ponerlos , plis

kutaisov

*AutoBan Spam/Flood/Troll*

05-mar-2004 16:59

UP!, me lo leo luego, pero veo que está completito, a mi el blues me gusta mucho... pero especialmente el blues rock... cosas somo Steve Ray Vaughan y demás.

Un saludo, buen tema.

Jimi Hendrix

ForoCoches: Miembro

05-mar-2004 17:54

Escrito originalmente por kutaisov
UP!, me lo leo luego, pero veo que está completito, a mi el blues me gusta mucho... pero especialmente el blues rock... cosas somo Steve Ray Vaughan y demás.

Un saludo, buen tema.

Gran guitarrista, no habia escuchado nada suyo pero me he escuchado tres discos y está muy bien. Otro que me parece tremendo es Robben Ford

Jimi Hendrix

ForoCoches: Miembro

05-mar-2004 18:15

lo q es impresionante es la vida de algunos de los "pioneros" del blues como R. Johnson o Huddie Ledbetter

Caine

¯¯¯¯¯¯¯¯

27-may-2004 13:53

Sí señor, no hay nada como el blues, r&b, motown y el soul.
Hay van mis recomendaciones de blues, auténticas obras de arte:

BB King - King's special
BB King - Never make a move too soon
BB King - There is always one more time
BB KIng & Eric Clapton - Help the poor
Albert King - She caught the katty
Albert King - Blues power
Bill Withers - Lean on me
Elvis Presley - Steamroller blues

Y muchas otras que me dejo, entre otros tantos artistas como Matt Murphy, Freddy King, etc... por no entrar ya en el terreno del r&b o del soul... porqué ahí ya sería la bomba.

§aludo§
Caine

messier

...

15-sep-2004 08:29

Unas pequeñas nociones sobre el blues, sin tener que saber de música pero que quedan muy bien una noche de copas en un local cargado y llorando Lucille (para quien no lo sepa es la guitarra de B.B.King):

El sello más prestigioso de jazz se llama "Blue Note" (la nota triste). Entre otros, Van Morrison ha grabado su último disco con ellos. Bien pues veamos qué es exactamente el concepto de Blue Note.

Primero hay que decir que el blues se asienta sobre la escala pentatónica. ¿ehhh?... Lo explico: Todos sabemos las 7 notas, pues en el blues americano se tocan 5 notas de una escala mayor ¿ehh?... Por ejemplo: do - mi - fa -sol - si .

El tema de la "blue note" viene a cuento de que en áfrica se toca la escala pentatónica pero en modo menor: -do -mi bemol - fa - sol -si bemol.

La Blue Note surgió ante la dificultad de los cantantes negros para interpretar el intervalo de Tercera mayor (do - mi), sonido al que, dada su cultura musical, no estaban habituados. En cambio, el sonido de la Tercera menor (do mi bemol), sí que les era familiar. De modo que, antes de cantarla, hacían un breve paso por la Tercera menor, para luego subir un semitono hasta la Tercera mayor.

Si no existiera el Blues, que ha acercado a nuestros oídos una sonoridad tan extraña como puede ser una Tercera menor sobre un acorde mayor, este recurso sería impensable, si nos suena bien, e incluso familiar, es por un solo motivo: estamos acostumbrados.

¡ Larga vida a la Blue Note !

Su web: www.bluenote.com

xam

*AutoBan Spam/Flood/Troll*

05-nov-2004 00:37

santana comenzo con gibson sg, habeis visto el video de woodstock?
ahora toca con paul red smith, q por cierto cuestan un riñón...

xam

*AutoBan Spam/Flood/Troll*

09-nov-2004 22:06

lo vi en "conexion rock" un programa q hacia Mariano Muniesa en una tv local de Madrid, salia Santana muy joven tocando con percusionistas en woodstock, y lucia una SG standard roja con golpeador blanco.

Stratos

really oldfag

09-nov-2004 22:29

#10

Hola,

Si no hay novedad, el viernes noche estoy viendo a John Scofield, en el Festival de Jazz que hay por aquí,

Bueno, y si me deja la parienta, a Ron Carter mañana y Jacque Loussier el sábado, jeje.

Por cierto, aparte de las magnificas explicaciones sobre pentatónicas y tercera menor, el Blue Note también es un local de NY aparte de un sello, y no se en que medida están relacionados.

Y otra, que oí alguna vez, que el nombre de blues puede derivar también de los cardenales por azotes de los esclavos ("Man, I've got the blues").

Pues eso, gran tema!

En cuanto a la armonía del blues, decias Alez que no resuelve, al basarse en acordes dominantes, supongo que el oido acepta la disonacia porque es innegable que el ciclo de doce compases p.ej. A7-D7-E7-A7 sí resuelve, otra cosa es que todo el pop basado en eso elimina las séptimas menores y establece el I-IV-V7-I como estándar, que indudablemente suena mas compacto...

La variación del acento que incorpora el swing, alterando los tresillos, es también la diferenciación que caracteriza el primer jazz a partir del blues.

También se agradecen correciones, que esto son generalidades muy gruesas.

Editado: 09-nov-2004 22:42 -

bender

No dejare las cosas a med

10-nov-2004 12:21

#11

BB king ,es genial. Eric clapton me gusta mas en su faceta de bluesman q de rock, van morrison tb me gusta pese q hace mas rythm and blues y otro tipo como rock an d roll,y como tampoco podemso olvidar a ray charles.

un posto muy chulo dedicado al blues

Stratos

really oldfag

12-nov-2004 01:29

#12

Cita de alez

Bien dicho, Stratos. Es verdad que no todo lo que resuelve en esta vida son cadencias perfectas, error conceptual mío

La función del acorde I-7 sería tónica, y lo de que sea I-7 en vez de I-maj7 o i-min-maj7 sería una "peculiaridad"

Saludos!

Creo que lo has dicho mejor incluso de lo que yo lo había pensado, jeje.
Saludos!

Stratos

really oldfag

23-nov-2004 21:36

#13

Hola, Alez:
Lo de maestro

como que gracias, pero no me corresponde ni de lejos:-)
Como en casi todos los campos, lo importante no es saber, sino tener el teléfono del que sabe

, he aprovechado tu pregunta para llamar a mi profe, el que me enseñó algo útil de guitarra aparte de lo poco que avanzaba yo solo.
El es bajista (y guitarra y teclado y ...), un músico enciclopédico y un tio acojonante.

Lo que yo pienso, sin mucho fundamento, es que es dominante sin más. Los demás grados, pues lógicamente tónica y el cuarto grado subdominante.

Lo que él añade: que en esa progresión también puedes usar el quinto grado con tercera mayor, algo mas estándar;
que tal como la pones es mas propia del blues primigenio missisipero que de jazz clásico; que otro tipo de resolución de esa progresión menor, en jazz ahora sí, está en Coltrane, Mr.PC, -> Am7/Dm/F7/E7/Am7
Otra variacion Wayne Shorter, Footprints -> Cm/Fm7/[F#semidis/F7(11+)/E7/A7]/Cm7
y que las posibilidades, como es lógico en la creación, son infinitas.

y tó esto al teléfono y tarareando, y yo que he hecho un poquito de google

Espero que te sirva, yo también lo estoy aprendiendo ahora (casi)

No me pidas más, que a mi esto me gusta mucho, pero seguro que por aqui hay mas gente gente como éste que lo sabe "de verdad" y me da un baño, que yo voy de oídas, jeje. Me faltan muchas horas...

Saludos y arriba ese blues!

messier

...

24-nov-2004 09:19

#14

Bueno, muy interesante la conversación que tenéis. Si os sirve de ayuda os paso un programilla que hice en visual basic para este tipo de cuestiones. El programita es un constructor de acordes. Arriba hay un teclado en el que se hace clic en la nota desde la que queréis comenzar a construir el acorde (por ejemplo La). Después seleccionáis el tipo de acorde según las voces y el programita pinta las teclas que habría que pulsar. Muy sencillito pero muy práctico cuando se empieza. A ver qué os parece. Podéis descargarlo de aquí:

Editado: 15-may-2012 18:41 -

Leyland

Commander in Chief

24-nov-2004 12:44

#15

No me gustan suena demasiado negro para mi.

Stratos

really oldfag

24-nov-2004 18:34

#16

Alez, ahi ahi andamos, :-)yo por ejemplo lo de los modos todavia lo tengo que masticar mucho, ya se andará.
Los acordes que dices comparten algunas notas, por eso suenan familiares. Además, como sabes, muchos pueden llamarse de otra manera, según que nota uses como tónica para denominarlo.

Dominator, gracias por las aportaciones y por el programa, muy sencillo y muy bien organizado, mas que muchos que he visto.

Esto ya se desvia mucho del tema del hilo, mas blues, please!

Saludos a todos!

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